Die 50 besten Horrorfilme der 70er Jahre

1974 kam ein einfacher Film über einen jungen Mann und seine Kettensäge in die Kinos, der Wunder für das Horrorgenre bewirkte. Inspiriert von Tobe Hoopers Erfahrungen als Dokumentarfilmer, bei denen er feststellte, dass die Menschen die eigentlichen Monster der Welt sind, ist „Blutgericht in Texas“ ein Film des unverfälschten Grauens.

„Blutgericht in Texas“ ist ein 70er Jahre Horrorfilm über fünf Freunde, darunter Sally Hardesty (Marilyn Burns) und ihr Bruder Franklin (Paul A. Partain), deren erholsamer Sommerausflug sich in einen Albtraum verwandelt, als sie versehentlich in das Haus einer kannibalistischen Familie stolpern, die von Leatherface (Gunnar Hansen) angeführt wird, einem Mann mit einer Maske aus menschlicher Haut und einer Vorliebe für Kettensägen.

Als die Freunde immer wieder mit schrecklichen Situationen konfrontiert werden und die Familie versucht, sie zu verspeisen, steigt die Spannung im Haus. Es ist ein Albtraum der niemals enden wird, weder für sie noch für die Zuschauer zu Hause. Hoopers Film ist eine Metapher für den Konflikt in Vietnam und eine Bemerkung über die Desillusionierung, die auf den Krieg folgte. „Blutgericht in Texas“ gilt auch als Klassiker des Horrorgenres.

Viele Menschen halten „Der Exorzist“ für den gruseligsten Film aller Zeiten. Bei der Erstaufführung wurden einige Zuschauer ohnmächtig, rannten aus dem Kino und einige übergaben sich sogar in den Gängen. Das mag zwar wie ein Marketing-Hype erscheinen, macht aber angesichts des kulturellen Kontextes, in dem der Film veröffentlicht wurde, durchaus Sinn. Selbst die eingefleischtesten Horrorfans hatten noch nie etwas Ähnliches gesehen wie William Friedkins bösartig unmoralische, erschütternd einfühlsame Darstellung des Kampfes eines 12-jährigen Mädchens mit dem Teufel in „Der Exorzist“, der den Standard für Filme über dämonische Besessenheit setzte.

„Der Exorzist“ war eine Rückkehr zu alter Form für Friedkin, der als Dokumentarfilmer angefangen hatte, Filme zu drehen. Nachdem du dich emotional auf die Figuren eingelassen hast – die von allen Beteiligten großartig gespielt werden – lässt Friedkin sie im finalen Kampf zwischen Gut und Böse gegeneinander antreten. Und das, während sich die abscheulichsten, gottlosesten Taten vor der Kamera in allen Einzelheiten abspielen. Friedkins Hingabe an die Geschichte und sein Glaube an die Schrecken, die dem Stoff innewohnen, machen „Der Exorzist“ zu einem bleibenden Beispiel dafür, dass Horrorfilme auch in einer Zeit, in der wir schon so ziemlich alles gesehen haben, und nach Jahrzehnten der Nachahmung und des technischen Fortschritts, noch zu den besten Genre gehören.

Auch nach über vier Jahrzehnten und sieben Fortsetzungen und Spin-offs ist Ridley Scotts „Alien“ immer noch der Maßstab für Weltraumterror, was nicht zuletzt daran liegt, dass der Film sowohl die wörtliche als auch die metaphorische Bedeutung seines Titels voll auskostet. Sigourney Weavers herausragende Leistung als unscheinbare Offizierin, die an Bord des Raumschiffs Nostromo gegen das namensgebende Ungeheuer antritt, Scotts sorgfältige Regie und der solide Aufbau der Welt sowie die Brustkorb-Szene sind nur einige der vielen Gründe für den enormen Erfolg des Films. Aber was „Alien“ so unauslöschlich furchterregend macht (und es ist schwer sich daran zu erinnern, jetzt wo das Monster eine Ikone ist), ist, dass der Film die Angst vor dem Unbekannten ausnutzt. Das Konzept, dass da wirklich etwas ist, das niemand je zuvor gesehen hat und keiner eine Ahnung hat wie man damit umgehen soll, macht den Film zum Horror-Phänomen. Oft entpuppt sich die Kreatur im Schatten als weniger furchterregend als erwartet, aber in diesem Fall wird sie deinen schlimmsten Befürchtungen gerecht.

Sie werden sich über dich lustig machen, heißt es. Diese Aussage wird dir einen Schauer über den Rücken jagen, wenn du jemals die Witzfigur warst oder generell eine harte Zeit in der Schule hattest.

Carrie (Sissy Spacek) wird ständig von einer Auseinandersetzung in die nächste geschubst. In den Duschen der Schulturnhalle hat sie ihre erste Menstruation und hat Angst, dass sie verblutet, da sie keine Ahnung von der menschlichen Anatomie hat. Sie hatte Angst und wusste nicht, was los war, also lachten die anderen Mädchen sie aus und warfen mit Tampons nach ihr. Carrie kehrt nach Hause zurück und wird von ihrer religiös-fanatischen Mutter (Piper Laurie) bestraft, die Carries Menstruation als Beweis für ihre Sündhaftigkeit ansieht. Ein unerwartetes Auftauchen ihrer übersinnlichen Fähigkeiten ist der einzige Trost für das unglückliche Kind, das von allen Seiten angegriffen wird. Sue Snell (Amy Irving), eine aufrechte Bürgerin der Stadt, versucht Carrie zu helfen, indem sie sie zum Abschlussball begleitet, aber es kommt zu fatalen Ereignissen.

„Carrie“ ist heute noch genauso erschreckend und wirkungsvoll wie bei seiner Veröffentlichung im Jahr 1976. Das liegt an den hervorragenden Darstellern, der eleganten Regie und der erschütternd grausamen, allzu realistischen Darstellung der brutalen sozialen Dynamik von Jugendlichen.

Fast jeder Slasher-Film hat Halloween etwas zu verdanken, und vor allem Michael Myers ist einer der bekanntesten Antagonisten aller Zeiten. Der Film festigte John Carpenters Ruf als einer der ganz Großen des Horrorgenres. Er schrieb auch den denkwürdigen Titelsong der Serie, der sich seit Jahrzehnten in den Köpfen der Menschen festsetzt.

„Halloween“ ist einer der einflussreichsten Horrorfilme aller Zeiten und hat viele Nachahmer gefunden, darunter mehrere Fortsetzungen, Reboots und Remakes.

Wenn es um die Entstehung von „Der weiße Hai“ (1975) von Steven Spielberg geht, scheint jeder eine Meinung zu haben. Abgesehen von seinem legendären Status als brillanter Film ist „Der weiße Hai“ auch ein hervorragendes Beispiel für eine Produktion, bei der Beschränkungen (wie z. B. plumpe mechanische Haie) zu Innovationen führten, die zu Klassikern des Mediums wurden.

„Der Weiße Hai“ ist erfolgreich, weil er nicht zu viel versucht, und deshalb ist er einer der schrecklichsten Filme seiner Art. Der Film ist eine bewegende Charakterstudie dreier Männer, gespielt von Richard Dreyfuss, Roy Scheider und dem unvergleichlichen Robert Shaw, die aus völlig unterschiedlichen Gründen zu einer Expedition aufbrechen.

Dario Argentos großes übernatürliches Spektakel „Suspiria“ geht weiter ins Okkulte. Suzy (Jessica Harper), eine junge Amerikanerin, schreibt sich an einer bekannten Tanzschule ein und ist schockiert, als sie erfährt, dass diese in Wirklichkeit von einem Hexenzirkel unter der Leitung von Miss Tanner (Alida Valli) und Madame Blanc (Joan Bennett) verwaltet wird. Dies ist der erste Film von Dario Argentos „Muttertrilogie“, zu der auch „Inferno“ und „The Mother of Tears“ gehören.

„Suspiria“ ist ein seltsames, aber sinnliches Fest für alle Sinne, mit einer unverwechselbaren Musik der Progressive-Rock-Band Goblin, einer Farbpalette aus leuchtenden Rot-, Blau- und Grüntönen und einer eindringlichen, verführerischen Atmosphäre.

Die erschreckenden Anfangsminuten von „Wenn die Gondeln Trauer tragen“ sind die größte Angst aller Eltern. Nach dem tragischen Verlust ihrer Tochter fahren Julie Christie und Donald Sutherland nach Venedig, wo der Ehemann mit der Renovierung einer Kathedrale beauftragt wurde.

„Wenn die Gondeln Trauer tragen“ handelt von der sehr realen Sorge, ein Kind zu verlieren und davon, wie sich das auf die Psyche eines Paares auswirken kann, aber der Film enthält auch übernatürliche Einflüsse.

Robin Hardys größtes Werk, „The Wicker Man“, war der erste von nur drei Filmen, bei denen er im Laufe von 45 Jahren Regie führte. Wenn der Wicker Man auftaucht, tut er das auf eine heimliche Art und Weise. Er ist trügerisch subtil und verführerisch, und seine dunklen Geheimnisse werden mit meisterhafter Sorgfalt enthüllt. Am Ende des Films wirst du dich vor Magenschmerzen zusammenrollen, weil dir schlecht wird.

„The Wicker Man“ führt Sergeant Howie (Edward Woodward), der die Entführung eines kleinen Kindes untersucht, in eine kleine Gemeinde auf einer abgelegenen schottischen Insel, wo niemand spricht und nichts einen Sinn ergibt. Der größte Teil des Films ist überhaupt nicht gruselig, sondern eher ein unbeschwerter, etwas beunruhigender Ausflug in eine seltsame Welt, die von heidnischen Ritualen beherrscht wird und über die der freundliche Lord Summersisle (ein perfekt eingesetzter Christopher Lee) wacht. Hardy macht das Beste aus der brodelnden Spannung, die Anthony Schaffers kluges Drehbuch erzeugt, indem er langsam die finstere Macht enthüllt, die sich hinter dem Deckmantel der blumengekrönten Kleinstadtgeselligkeit verbirgt. Wenn das Rätsel endlich gelöst ist, wirst du dir wünschen, es wäre nicht so gewesen, denn du und der Protagonist stehen der unausweichlichen Tragödie machtlos gegenüber. „The Wicker Man“ ist eine erschreckende und faszinierende Interpretation des Horrorgenres.

Die Veröffentlichung des atmosphärischen und meisterhaft produzierten Films „Jessy – Die Treppe in den Tod“ aus dem Jahr 1974 war sogar noch ein paar Jahre vor John Carpenters Genre-definierendem „Halloween“ in den Kinos zu sehen. Obwohl der Film nicht ganz so erfolgreich war, hat sich dieser erstaunliche 1970er Jahre Horrorfilm über die Jahre hinweg gut gehalten.

Olivia Hussey spielt Jess, ein Mitglied der Studentenverbindung, die verstörende und sexuell eindeutige Anrufe erhält. (Als der Anrufer eine der Frauen mit einer Plastiktüte erstickt, wissen wir, dass er gefährlich ist. Im Gegensatz zu vielen anderen Slasherfilmen wird „Jessy – Die Treppe in den Tod“ nicht zu einem sinnlosen Amoklauf. Stattdessen wird eine düstere Spannung durch eine Reihe unerwarteter Wendungen und Komplexe aufgebaut.

Der Film „Jessy – Die Treppe in den Tod“ ist in jeder Hinsicht perfekt. Neben Olivia Hussey und Margot Kidder und Keir Dullea und Horror-Ikone John Saxon ist das Ensemble einfach fantastisch. Eines der stillen feministischen Meisterwerke des Horrors, dank der reichhaltigen und emotionalen Charakterisierung der Bewohnerinnen des Schwesternschaft-Hauses und ihrer komplexen Beziehungen untereinander. Von den quälenden Telefonanrufen über das schockierende Auftauchen eines wulstigen Augapfels bis hin zu den verstörenden letzten Momenten – alles ist unterschwellig erschreckend.

Obwohl „Die Dämonischen“ von 1956 ein Klassiker ist, ist Philip Kaufmans Adaption von 1978 weitaus besser. Letztere wirkt moderner, als es das Ausgangsmaterial vermuten lässt. Auch wenn es einige Beispiele für veralteter Technik und Spezialeffekte gibt, hat das Ganze die Frische eines Produkts, die auch heutzutage veröffentlicht werden könnte.

Es gab schon mehrere Filme, die auf der Prämisse „Wie gut kennst du deine Nachbarn?“ basieren. Als der Gesundheitsinspektor Matthew (Donald Sutherland) und seine Freundin und Kollegin, die Laborwissenschaftlerin Elizabeth, einen geheimen Plan aufdecken, der alle Menschen durch außerirdische Klone zu ersetzen will, wird ihr Leben auf den Kopf gestellt.

Seit den Ereignissen in George A. Romeros Film „Die Nacht der lebenden Toten“ von 1968 wird die Welt von einer wachsenden Epidemie fleischfressender Zombies dezimiert. Die Überbleibsel einer zerfallenden Gesellschaft suchen ängstlich nach einem sicheren Hafen. Was in „Die Nacht der lebenden Toten“ so gut funktioniert hat, wird in „Zombie“ wiederholt, nur dieses Mal in einem größeren Maßstab. Anstatt in einer Hütte gestrandet zu sein, finden sich unsere Helden mitten in einem Einkaufszentrum wieder, das von Horden von Untoten überrannt wird. Romeros Fortsetzung ist vielleicht nicht so revolutionär wie der erste Teil, aber sie macht trotzdem eine Menge Spaß. Manche Zuschauer werden sich angesichts der blutigen, realistischen Effekte nach einer einfacheren Zeit sehnen, als die Spezialeffekte noch nicht mit CGI realisiert wurden. Neben dem unerbittlichen Blut- und Blutrausch ist „Zombie“ auch eine clevere Kritik an der Besessenheit unserer Kultur mit materiellem Besitz.

Der Film „Magic“ folgt Corky (Anthony Hopkins), einem sozial unbeholfenen Zauberer, der eine bizarre Bindung zu dem neuesten Mitglied seiner Bühnenshow aufbaut, einer Bauchrednerpuppe, die er Fats getauft hat. Für manche, die Angst vor Puppen oder Marionetten haben, könnte „Magic“ eine unangenehme Erfahrung sein.

Wenn er den schüchternen Magier mit dem Selbstvertrauenproblem spielt, ist Hopkins brillant, und wenn er die hochtönende Stimme von Fats spielt, ist er ebenso beeindruckend. Die Brillanz des Films liegt darin, dass er dich bis zum Schluss im Ungewissen lässt, ob Fats zu sich selbst findet oder ob die hektische Unterhaltung zwischen Corky und Fats wirklich das Ergebnis von Fats‘ geistigem Verfall ist. Obwohl die vielen Hinweise im Film auf Letzteres hindeuten, wird der Zuschauer die Befürchtung nicht los, dass Fats noch am Leben ist, denn er starrt immer wieder regungslos aus dem Fenster von Corkys Kabine.

Hopkins und seine Geliebte Peg, Ann-Margeret, liefern eine fesselnde Vorstellung ab. Der verzweifelte Höhepunkt des Films, bei dem ein Mann immer abhängiger von seinem eigenen humorvollen Monolog wird, ist sowohl interessant als auch nervenaufreibend zu sehen.

Der Horror und der Humor in „Die Frauen von Stepford“ sind gut ausbalanciert und der Film schafft es, sowohl erschreckend als auch bissig zu sein.

Der Film hat ein hervorragendes Ensemble, in dem Katharine Ross als Joanna Eberhart brilliert. Joanna, eine talentierte Fotografin, zieht mit ihrer Familie in das deprimierende Stepford, Connecticut. Obwohl das Leben in Stepford oberflächlich betrachtet friedlich zu sein scheint, gibt es versteckte Probleme in dieser ansonsten perfekten Gemeinde. Ihre Ehemänner verbringen die meiste Zeit im Männerverein, dem Joannas Mann schnell beitritt, während die Frauen in wallenden Röcken herumlaufen, fröhlich lächeln und ununterbrochen über den Haushalt und ihre Liebe zu ihren Ehepartnern reden. Joanna findet zwar einige Freundinnen unter den Damen, die sich ihre Individualität bewahrt haben, während sie in Stepford leben, aber auch sie sind nicht immun gegen die Probleme, die ihre Stadt plagen. Die Angst hat Joanna gepackt, und wir können es ihr nicht verdenken.

Die Themen, die in „Die Frauen von Stepford“ angesprochen werden, wie z. B. die Frage, ob dein Ehemann dich wirklich unterstützt und ob er sich insgeheim wünscht, dass du dich anders verhältst, sind auch heute noch sehr aktuell und wurden selten besser und prägnanter untersucht als in diesem Film.

Über Alfred Hitchcock muss man niemandem etwas erzählen. Sein gesamtes Werk ist ein unüberwindbarer Meilenstein in der Geschichte der Literatur. Aber 1972 brachte er Frenzy heraus. Es gab einige lautstarke Befürworter des Films, aber viele andere, die ihn damals sahen, wussten nicht, was sie von einem so extremen Film eines Filmemachers halten sollten, dessen frühere Werke die Zensurbestimmungen eher subtil umgangen hatten. Frenzy ist jedoch eines seiner besten Werke und verdient es, als solches anerkannt zu werden.

Im Mittelpunkt des Films steht Richard Blaney, der vielleicht unsympathischste Protagonist aller Zeiten. Er ist ein Alkoholiker, ein Schlamper und ein Verhaltensstörer, der keine Anzeichen zeigt, dass er sein Leben verbessern will. Das ist toll für ihn, außer dass Richards bizarres Verhalten mit einer Reihe von Morden zusammenfällt, bei denen Krawatten als Strangulationsmittel verwendet wurden.

Als „Beim Sterben ist jeder der Erste“ 1972 in die Kinos kam, war er eine Abwechslung zum typischen Horrorfilm. Eine Gruppe von Freunden beschließt, einen Kanuausflug auf einem Fluss im ländlichen Georgia zu machen. Was folgt, ist ein Survival-Horror-Thriller. Burt Reynolds, Jon Voigt und die Newcomer Ned Beatty und Ronny Cox bildeten ein hervorragendes Ensemble.

Als die Dinge auf dem Ausflug schief gehen, finden sich die vier in einem Kampf um Leben und Tod in einer Umgebung wieder, in der sie keine Vorkenntnisse oder Erfahrungen haben. „Beim Sterben ist jeder der Erste“ wurde für drei Oscars nominiert und schließlich 2008 von der Library of Congress in das National Film Registry aufgenommen.

Es ist kaum vorstellbar, dass dieser gefeierte Filmemacher vor „Superman“ und „Die Goonies“ einen Horrorfilm über den Teufel gedreht hat. Mit dem Erfolg von „Das Omen“, einem der bestbezahlten Filme des Jahres 1976, rückte Richard Donner ins Rampenlicht. Gregory Peck spielte darin einen amerikanischen Botschafter, der unwissentlich ein Kind adoptiert, nur um herauszufinden, dass der Junge, Damien (Harvey Spencer Stephens), in Wirklichkeit der Antichrist ist.

Damiens Mutter wird von Lee Remick dargestellt, während David Warner als Fotograf auftritt, der herausfindet, dass Damiens Anwesenheit das Ende der Welt einläutet. Ein beunruhigendes Kindermädchen taucht auf, eine Bande von Rottweilern greift an, und fast alle Beteiligten finden ein schreckliches Ende. Oh, und dann ist da noch die gruselige „Ave Satani“-Themenmusik, die für einen Oscar für den besten Originalsong nominiert wurde (Komponist Jerry Goldsmith nahm einen Oscar für die beste Originalmusik mit nach Hause).

„Eraserhead“, ein surrealistisches Werk in Schwarz-Weiß, ist nicht gerade David Lynchs zugänglichstes Werk, aber dennoch ein Meisterwerk. Es ist die Geschichte eines Mannes, der sich in einer kargen Industriekulisse um sein entstelltes Kind kümmern muss. Der Film dreht sich um die Angst des Menschen vor der Elternschaft.

Dieser Kultklassiker, David Lynchs erster Versuch, in Spielfilmlänge Regie zu führen, ist einer von mehreren Filmen, die wegen ihrer „kulturellen, historischen oder künstlerischen Bedeutung“ von der Library of Congress anerkannt und in das National Film Registry der Vereinigten Staaten aufgenommen wurden.

Als er „Im Blutrausch des Satans“ drehte, hatte Mario Bava, einer der besten und einflussreichsten Filmemacher des Giallo-Subgenres, bereits ein Jahrzehnt damit verbracht, durchweg exzellente Horrorfilme zu drehen.

Die Unberechenbarkeit von „Im Blutrausch des Satans“ wird bereits in der hervorragenden Eröffnungssequenz des Films deutlich und zieht sich wie ein roter Faden durch die Geschichte einer Gruppe von verfeindeten Familienmitgliedern, die vor nichts zurückschrecken, um ihren Anteil an einem Erbe zu sichern. Der Film beginnt damit, dass eine ältere Dame von einem Mann mit schwarzen Handschuhen ermordet wird, nur um gleich darauf von einem anderen, nicht identifizierten Killer getötet zu werden. Die fünf Killer in „Im Blutrausch des Satans“ sind alle auf ihre eigene Art und Weise originell und skrupellos, aber Bava hält die Handlung auf eine Weise in Gang, die nie verwirrend ist. Dieser Film ist ein Muss für jeden Liebhaber des Slasher-Subgenres.

Der Film war nicht nur David Cronenbergs erster Film, sondern sorgte auch wegen seiner unverhohlenen sexuellen Gewalt für Empörung bei Kritikern und Mitgliedern des kanadischen Parlaments.

Die Geschichte dreht sich um einen schneckenähnlichen Parasiten, der die Bewohner eines Hochhauses infiziert und sie zu sexbesessenen, mordenden Wahnsinnigen macht, die ihre Seuche wie eine Geschlechtskrankheit verbreiten.

Die heftige Kritik an dem Film erschwerte Cronenberg die Finanzierung weiterer Projekte, obwohl er den Film teilweise über die Canadian Film Development Corporation gefördert hatte. Angeblich führte das dazu, dass er aus seiner Wohnung in Toronto vertrieben wurde. Trotzdem war der Film ein kommerzieller Erfolg, vor allem wenn man sein bescheidenes Budget bedenkt. „Parasiten-Mörder“ ist ein unterschätztes Meisterwerk, das Cronenberg als einen der wichtigsten Akteure im Horrorgenre etablierte.